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Os melhores filmes de 2016, segundo Eric Kohn, crítico do IndieWire

No sentido horário, da esquerda: 'Paterson', 'A Academia de Musas', 'Luar', 'Exército Suíço'

Todo mês de dezembro, vale a pena repetir: quem pensa que este foi um ano ruim para filmes simplesmente não viu o suficiente. Em uma era de visualização compulsiva, uma preponderância de programas a cabo premium imperdíveis e, diabos, até aplicativos para smartphones que exigem muito mais atenção do que as conquistas de longa duração, a verdadeira variedade de cinema de qualidade é muitas vezes obscurecida pelo barulho de cenário de mídia confuso. Para realmente avaliar o estado dos filmes modernos, olhe além do óbvio. Certamente, foi um ano fraco para os filmes que se destacaram principalmente devido ao poder das estrelas e a orçamentos consideráveis ​​de marketing, mas essas opções representam apenas uma pequena fração do mercado.

O circuito do festival de cinema fornece uma alternativa ideal aos canais convencionais para descobrir filmes que valem a pena ser discutidos durante todo o ano - e, se tiverem a sorte de distribuir terras, terão qualidade para comemorar o final do ano em listas como esta. Este ano, todos os finalistas da minha lista dos melhores do ano apareceram em um grande festival e, na maioria dos casos, chegaram aos cinemas mais tarde. Nenhum deles era uma aposta comercial segura; de fato, seus números acumulados de bilheteria podem pintar uma imagem sombria da viabilidade comercial dessa forma de arte, mas essa imagem é apenas uma pequena peça de um quebra-cabeça muito maior. Filmes que desafiam convenções, expulsam as pessoas e as deixam incertas sobre o que acabaram de experimentar são geralmente as que mais merecem comemoração.

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Minha lista mostra muitos filmes que lutaram para chegar lá, que não funcionam para todos, que provocam fortes debates - e, no entanto, estou totalmente confortável em considerá-los os melhores do ano. O consenso é chato. Se alguma coisa aqui provoca discordância, apenas fortalece a vitalidade dessas grandes obras.

Se há um tema passando por eles, é a ansiedade dos tempos modernos. Nossa sociedade é cada vez mais abalada por desenvolvimentos inesperados - como evidenciados por Donald Trump, Brexit e Chicago Cubs - e muitos dos melhores filmes deste ano falam do sentimento enjoativo de um mundo misterioso e das surpresas que ele nos oferece. Essas histórias envolvem personagens à deriva em ambientes desconfortáveis, onde as fronteiras entre realidade e ficção se dissolvem, levando a incertas buscas por uma verdade ilusória. Nem todo mundo encontra.

Os finalistas da lista de final de ano de 2016 “The Eyes of My Mother”, “Nuts!”, “Manchester By the Sea” e “The Lobster”

A lista a seguir é classificada. Requer algumas ressalvas para reconhecer alguns vice-campeões. Primeiro, minha abordagem curatorial leva em conta fatores como equilíbrio e escopo. Existem muitos esforços de primeira linha que se classificariam muito bem na minha lista, se não houvesse outros títulos semelhantes que eu apreciei mais um toque (assim, 'The Witch' recebe a fenda de horror sobre 'The Eyes of My Mother' e “Swiss Army Man” vence “The Lobster” no departamento de diversão peculiar e alegórico).

Embora eu tenha expandido a lista para além dos 10 primeiros habituais para abranger 16 títulos, há muitos outros que não foram suficientes. Isso inclui a deliciosa paródia dos irmãos Coen da fábrica dos sonhos de Hollywood 'Hail, Caesar!' E o semi-documentário inventivo de Penny Lane de um infame vendedor de óleo de cobra em 'Nuts!', Os quais falam de idéias refletidas nesta lista. 'Manchester By the Sea' é um olhar habilmente roteirizado para viver com tristeza, e 'The Lobster' (que apareceu em uma versão desta lista no início do ano) se destaca em explorar a catarse de escapar de uma sociedade opressiva. Veja todos eles.

Acima de tudo, esta lista reflete um ano extremamente complexo de experiências culturais, quando a sociedade foi virada de cabeça para baixo e os filmes se anteciparam. Eles são um espelho para o mundo em que vivemos agora.

As listas são inerentemente limitantes, então você pode esperar ver muitas delas nessas partes à medida que espalharmos o amor. Outras vozes da equipe IndieWire serão avaliadas ao longo da semana, e este artigo será atualizado com links. Por enquanto, aqui está a avaliação final deste crítico sobre os melhores filmes lançados em 2016. Argumentos são bem-vindos, mas os leitores que julgam rapidamente são incentivados a rastrear todos esses títulos primeiro.

16. 'Certas mulheres'

'Certas mulheres'

Filmes da IFC

Kelly Reichardt continua mostrando seu domínio do isolamento americano com esta adaptação dos contos de Maile Meloy. Cada um dos três capítulos do filme fala de uma sensação de deslocamento entre as figuras da classe trabalhadora em Montana. Em um ano em que as frustrações da classe trabalhadora atingiram um pico, não poderia ser mais atual. A abordagem antológica de Reichardt está repleta de confrontos ambíguos: com a situação de uma advogada entediada (Kristen Stewart) ministrando aulas de educação de adultos e a solitária mão de fazenda (Lily Gladstone) que se apaixona por ela, Reichardt constrói sua melhor mão dupla desde “Old Joy, ”Enquanto a tentativa de um casal (Michelle Williams e James Le Gros) de adquirir arenito antigo de um homem mais velho aborda sutilmente conflitos intergeracionais.

Mas o verdadeiro poder do filme vem de seus suportes para livros, nos quais uma consultora jurídica confiante (Laura Dern, na sua melhor das hipóteses) lida com um homem de colarinho azul desapontado que fica postal depois que sua empresa o engana para não se contentar com uma lesão no local de trabalho. A raiva crescente de um homem branco mais velho e zangado, e as lutas do caráter de Dern para consolá-lo, dão a 'Certas Mulheres' um grau surpreendente de insight sobre a divisão da sociedade americana.

15. 'A bruxa'

Anya Taylor-Joy em 'A Bruxa'

Anunciado como um 'New England Folktale', escritor-diretor Robert Eggers ’; A estréia realizada em longas-metragens gerencia um equilíbrio complicado: por um lado, uma peça de época elegante sobre a dissolução de uma família da Nova Inglaterra por volta de 1630, é também um filme de terror genuinamente inquietante sobre possessão. Quase exclusivamente em uma cabana monótona e nos bosques sinistros que a cercam, a abordagem minimalista do filme não carece de autenticidade, já que Eggers confia em registros da corte e outros documentos para guiar o diálogo junto com os figurinos do período em questão. O efeito é uma narrativa assustadora de forças sobrenaturais tornadas especialmente assustadoras devido ao realismo que as cerca.

Emparelhado com a surpreendente estréia de Nicolas Pesce, 'Os Olhos da Minha Mãe', é exatamente o que o gênero de terror precisa agora - uma sacudida por gênero de sangue fresco e narrativa original.

14. 'Toni Erdmann'

Toni Erdmann

No papel, a diretora e roteirista Maren Ade, 'Toni Erdmann'. tem uma premissa simples: após a morte de seu cachorro, o pai solteiro solitário Winfried (Peter Simonischek) aparece na cidade grande para tentar reconquistar os afetos de sua filha adulta, Ines (uma surpreendente Sandra Hüller), usando disfarces para que ele pode segui-la pela cidade sem seus amigos e colegas de trabalho descobrirem.

Com duração de duas horas e 42 minutos, no entanto, o tão esperado acompanhamento do cineasta alemão até 2009 - Todos os outros - torna-se algo muito mais sutil e perspicaz do que sugeriria sua configuração rudimentar. O épico duplo de Ade sobre a dinâmica da família tem recompensa em sua ambição. Tanto um relato comovente do afastamento entre pai e filha quanto uma sátira corporativa, 'Toni Erdmann', luta com grandes problemas através de uma lente surpreendentemente íntima, em um equilíbrio desconfortável que reflete a vida instável de seus personagens.

No começo, eu não estava totalmente convencido de que isso justificava o peso, mas 'Toni Erdmann' ficou comigo nos meses desde que eu o vi pela primeira vez em Cannes, sua narrativa em camadas revelando gradualmente seus masterstrokes em retrospecto. Essa é a marca de uma verdadeira conquista cinematográfica.

13. 'Tio Kent 2'

“Tio Kent 2”

Fábrica 25

'Legal, o cinema está morto', diz o slogan de 'Tio Kent 2', citando uma reação de tweet à existência do filme. Mas o brilhante golpe da meta-traquinagem de Todd Rohal na mente da estrela de 'Tio Kent' e do animador de 'Adventure Time' Kent Osborne é que as reviravoltas bizarras do filme resultam na sequência mais inspirada no cinema em tempos.

No capítulo de abertura sombrio, dirigido por Joe Swanberg, Osborne tenta lançar uma sequência do retrato pouco visto de Swanberg do pateta solteiro de quarenta e poucos anos; quando Swanberg diz a Osborne para fazer a sequência, a odisséia maluca que se segue se torna exatamente isso. Rohal, ele próprio um cineasta surrealista subestimado (“O aperto de mão guatemalteco”), oferece uma brilhante paródia de indops narcisistas americanos indie que ficam cada vez mais loucos à medida que avança. Se Charlie Kaufman colocar o conceito por trás de 'mumblecore' em suas linhas de visão, o resultado poderá ser algo assim. Mas se 'Tio Kent 2' é uma brincadeira, é totalmente satisfatório, fornecendo uma acusação astuta de criatividade auto-engrandecedora, cavando dentro de seus extremos e explodindo-os em pedaços.

12. 'Os ajustes'

'Os ajustes'

Osciloscópio

O primeiro longa de Anna Rose Holmer é um retrato surreal de uma heroína jovem e improvável. Toni, de onze anos, aspira ser dançarina enquanto faz seu treinamento de boxe em seu centro juvenil de Cincinnati. Como uma doença convulsiva começa a afetar vários de seus colegas dançarinos, 'The Fits' gradualmente se transforma em uma aparência semelhante à dos 'Picos Gêmeos' da alienação comunal, mas também é uma representação inteligente de uma comunidade insular vista através das lentes das maravilhas da infância.

As performances surpreendentemente sutis de Hightower combinam perfeitamente com o retrato rítmico do filme dos mistérios e alienação da adolescência. A capacidade de Holmer de permanecer na perspectiva de mundo de sua jovem protagonista impregna 'The Fits' com uma simplicidade desarmante que é quase assustadoramente pungente ao chegar a um final surreal.

11. 'A Academia de Musas'

'A Academia de Musas'

Finalmente lançado em alguns cinemas um ano após a exibição do festival, o retrato do drama romântico do cineasta catalão Jose Luis Guerin, através de uma lente acadêmica, é um dos mais heterodoxos da história de todos os tempos. Embora ele não tenha um filme lançado nos Estados Unidos desde 2007, 'Na cidade de Sylvia', Guerin continuou a criar experimentos cinematográficos inventivos que misturam componentes documentais e fictícios com resultados surpreendentemente imprevisíveis. 'A Academia das Musas' é o modelo dessa abordagem única; também é hilário e tocante em medidas iguais.

Inicialmente, Guerin se concentra nas palestras divisórias de um processador de literatura da Universidade de Barcelona, ​​que propõe que as mulheres se alinham à definição clássica de 'musa' e usem seus poderes sedutores para inspirar poesia. Enquanto o discurso pesado é cativante em seus próprios termos, esse ponto de partida se torna o primeiro ato de um drama sensacional no qual a relação aluno-professor evolui para um território eticamente dúbio: o professor não apenas dorme com seus alunos, mas também tenta racionalizar a decisão quando confrontado por sua esposa sem sentido.

Chocante, profunda, engraçada e triste, 'A Academia das Musas' é uma ilustração de primeira linha de pensamentos profundos traduzidos em uma narrativa emocionante. Apesar do conceito pesado, pode ser o mais próximo que chegamos a um trabalho cruzado da sempre inovadora Guerin.

10. 'Neruda'

'Neruda'

O pomar e a mídia participante

O retrato do diretor chileno Pablo Larraín do lendário poeta, senador e especialista em relações públicas Pablo Neruda é uma representação fascinante da identidade nacional e da inteligência literária. Luis Gnecco oferece um desempenho vívido (e altamente preciso) como peça central de mesmo nome de 'Neruda', rdquo; que segue a figura seminal de seus dias de festa boêmia até sua fuga das autoridades chilenas, enfurecida por suas inclinações comunistas.

Mas a verdadeira estrela de 'Neruda' é um esperto investigador policial Oscar Bustamante Peluchonneau (Gael Garcia Bernal, um excelente quadrinho em quadrinhos) encarregado de seguir o poeta. Enquanto ele continua perseguindo Neruda, Peluchonneau percebe que está preso no próprio mito de Neruda. 'Não sou um personagem de apoio', ele diz, mas, em última análise, sua validação deriva de Neruda, reconhecendo que a história deles juntos importa. Juntamente com 'Jackie', de Larraín, lançado nos EUA apenas uma semana à frente de 'Neruda', o filme confirma a capacidade desse engenhoso cineasta de interrogar a história em termos surpreendentemente originais. Larraín saúda um dos maiores contadores de histórias de seu país, combinando seus talentos.

9. 'mel americano'

“Mel americano”

Mesmo que Shia LaBeouf não descrevesse seu traje de suspensórios e calças como 'Donald Trump', a viagem expressiva de Andrea Arnold ressoaria com uma visão tópica. De “Estrada Vermelha” a “Aquário”, Arnold sempre entregou retratos atraentes de jovens frustradas, mas sua ambição alcança seus maiores patamares com esta representação ampla de uma adolescente fugitiva (Sasha Lane, uma das melhores descobertas do ano) que se junta um grupo de jovens vendedores de revistas hedonistas liderados pelo astuto LaBeouf.

Alguns críticos ridicularizaram o ritmo sinuoso do filme e a trilha sonora pop-pesada como mais uma postura do que uma genuína delicadeza narrativa, mas isso ignora a pura arte de seu design. Arnold oferece uma aparência perspicaz de jovens alienados que saqueavam o centro-oeste, sem um objetivo preciso, além de manter seus estilos de vida imprudentes à tona. É uma declaração geracional irritada e um pedido desesperado de ajuda.

8. 'Exército Suíço'

“Exército suíço”

A24

“Pensei que tinha sido resgatado”, Paul Dano canta para o cadáver de Daniel Radcliffe, “mas você é apenas um cara morto e estou sozinha.” Um filme surreal de camarada energizado por alguns usos inovadores da flatulência, “Swiss Army Man ”É a estranha e estranha mistura de pastelão e musicalidade da dupla de videoclipes, rica em idéias: os adornos do politicamente correto, os efeitos isolantes da baixa auto-estima, a natureza homoerótica do vínculo masculino e muito mais.

Preso em uma ilha deserta quando ele se depara com um cadáver que lhe traz esperança, o personagem de Dano descobre usos originais do corpo à medida que ele lentamente ganha vida. Radcliffe apresenta uma performance ousada que é perturbadora e absurda, muito parecido com a maioria deste filme totalmente envolvente que às vezes parece que se materializou de outra dimensão do próprio Daniels. Essa terra imaginária é digna de mais visitas, então esperamos que elas continuem assim.

7. 'Paterson'

'Paterson'

Pequenas trocas e longas pausas são características dos filmes de Jim Jarmusch, mas poucos têm a mistura profunda de calor e melancolia encontrada em 'Paterson'. Conduzida por um discreto Adam Driver e a propensão de Jarmusch por capturar comentários imediatos, 'Paterson' é o seu estudo de personagem mais absorvente desde 'Broken Flowers', mas tem uma sofisticação silenciosa que o eleva a outro nível. A história leve de um motorista de ônibus que brilha como poeta aumenta os ritmos diários de seu mundo contido e os transforma na arte que ele deseja criar. Por sua vez, charmoso, melancólico e sábio, 'Paterson' aperfeiçoa o arquétipo de hipster sem rumo que vagueia pela obra de Jarmusch, validando seus caminhos de busca da alma.

6. 'Cameraperson'

'Cinegrafista'

Kirsten Johnson abre 'Cameraperson' com uma nota descrevendo o projeto como 'minhas memórias', mas é seguro dizer que nunca houve memórias como essa. Reunindo imagens de seus 25 anos de experiência como diretor de fotografia de documentários, 'Cameraperson' oferece uma visão geral das pessoas e dos lugares que Johnson capturou ao longo de uma carreira diversa. Mais do que isso, as duas dúzias de projetos exibidos aqui ao lado de imagens originais confrontam o processo de criação. Este é um guia semelhante a uma colagem para uma vida visual.

Os créditos de Johnson variam de exposições arriscadas, como 'Pray the Devil Back to Hell' e 'Citizenfour' a pratos mais leves, como o retrato dos desenhos animados da New Yorker do ano passado 'Very Semi Serious', os quais aparecem nesta densa pesquisa global. Mas o assunto díspar congela em torno de sua presença implícita em todas as cenas. O teórico soviético do cinema Dziga Vertov certamente aprovaria a abordagem de Johnson - um título alternativo poderia ser 'Mulher com uma câmera de filme' - já que transforma a idéia da câmera em uma embarcação para estudar o mundo. Embora grande parte do material de 'Cameraperson' seja antigo, Johnson inegavelmente criou algo novo e refrescante.

5. 'Controle Criativo'

'Controle criativo'

Com sua nítida fotografia em preto-e-branco e efeitos espetaculares, o fascinante thriller de ficção científica de Benjamin Dickinson - Creative Control - rdquo; inteligentemente prevê uma sociedade dominada pela tecnologia que está ao virar da esquina. Mas as particularidades da trama, na qual o desenvolvedor de novos óculos de realidade aumentada do Brooklyn perde contato com o mundo ao seu redor, imbui o alvo de sua crítica com uma forte vantagem contemporânea. Não importa a genialidade das novas tecnologias, argumenta o filme, toda nova ferramenta sofisticada está sujeita a fraudes humanas. É ao mesmo tempo sobrenatural e familiar - uma sátira futurista que arde com relevância imediata.

4. “Todo mundo quer um pouco !!”

'Todo mundo quer um pouco !!'

Os filmes de Richard Linklater são preenchidos com observações enérgicas em pequenas doses. Divagações filosóficas densas cercam a mais frágil das tramas; um ar casual encontra o existencialismo. Embora discutido por eras como uma 'sequela espiritual', ao seu clássico dos anos setenta do ensino médio 'Dazed and Confused' - e ambientado apenas alguns anos depois - a comédia de beisebol da faculdade 'Todo mundo quer um pouco !!' contém muitos dos melhores ingredientes encontrados ao longo da carreira de Linklater: uma atitude despreocupada com a vida combinada com observações mais sorrateiras sobre seus mistérios mais profundos.

Tal como acontece com a sua varredura 'Antes' trilogia e o ambicioso ciclo de produção de 12 anos de 'Boyhood'; o novo filme também brinca com o tempo. Abarrotando três dias de brincadeiras de festa em pouco menos de duas horas, 'Todo mundo quer um pouco !!' se desenrola nos últimos dias do verão em uma pequena faculdade do Texas, na qual as responsabilidades da vida adulta se escondem fora do quadro. Igualmente charmoso e sábio, 'Todo mundo quer um pouco !!' simboliza a capacidade única de Linklater de ampliar o comportamento humano com leviandade. Não há nada vistoso neste filme, mas esse é o brilho dele. A vida se aproxima de você, assim como os filmes de Richard Linklater.

3. 'Weiner'

Anthony Weiner e Huma Abedin em 'Weiner'

Sundance Seleciona

Começou como uma farsa trágica; No decorrer de 2016, 'Weiner' se tornou uma espiada alarmante no mundo do bufão, que pode ter nos custado nossa democracia. Weiner, durante sua desastrosa campanha do prefeito de Nova York, tornou-se uma piada nacional por razões óbvias. Mas o público não pôde ver o caos da campanha de Weiner, pois o político enfrentou uma das maiores humilhações públicas da história recente. 'Weiner', que ganhou o prêmio do grande júri no Sundance Film Festival deste ano, retrocede esse véu para revelar uma das grandes farsas da história moderna das campanhas (pelo menos antes da atual temporada presidencial).

Co-dirigido pelo ex-chefe de gabinete de Weiner, Josh Kriegman, com Elyse Steinberg, o filme captura Weiner e sua esposa sitiada, a conselheira de Hillary Clinton, Huma Abedin, através de uma série de circunstâncias indutoras de angústia, enquanto a mídia continua atacando as dificuldades da família. O divórcio de Weiner e Abedin durante o verão, no meio da campanha de Clinton, apenas intensificou as cenas do filme; mais tarde, quando o diretor do FBI James Comey revelou que estava analisando as trocas de Weiner com um adolescente, a relevância do documentário se aprofundou ainda mais.

Resolvendo tudo isso de lado, a tentativa de Weiner de avançar contra probabilidades impossíveis resulta em uma visão espetacularmente divertida das derrotas da celebridade moderna e da arrogância envolvida em perseguir o poder na arena política. Por um lado, 'Weiner' é o cinema de primeira classe, capturando a constante humilhação de seu sujeito e o investimento absurdo em sua campanha contra probabilidades impossíveis com detalhes impressionantes, mesmo quando o caos que cerca sua queda indica a obsessão da mídia por seu escândalo. Ao mesmo tempo, é uma caricatura editorial turbulenta sobre a loucura inerente de um sistema preparado para a autodestruição. E agora, enquanto Weiner desvanece no esquecimento, temos que viver em sua bagunça.

2. 'Jackie'

Jackie

O retrato de Pablo Larraín da tentativa de Jackie Kennedy de combater o controle do caos após o assassinato de seu marido é um thriller psicológico em partes iguais e uma investigação histórica. Ancorada por Natalie Portman na melhor carreira, a construção atmosférica do filme perfura a natureza da vida pública e das maquinações políticas.

O roteiro de Noah Oppenheim enquadra os dias tensos em que Jackie planeja o enterro de seu marido e a câmera de Larraín fica perto do assunto, forçando os espectadores a pairar em sua mentalidade complicada. Não importa o quanto ela tente proteger sua dor, o mundo se aglomera. 'Não é história se não está escrito', ela diz a um repórter que a incita a todo momento. Essa afirmação é o maior alvo do cinema de Larraín: qual é a nossa relação com o passado - e como a mudamos para atender às nossas expectativas hoje? Como fato e ficção se misturam às teorias da conspiração no quadro de mensagens e à mídia social redutora que define nossa era da informação, os filmes de Larraín não poderiam chegar a um momento melhor. 'Jackie' consolida seu apelo.

1. 'Luar'

'Luar'

Cortesia de Color Collective e A24

O acompanhamento a muito atrasado de Barry Jenkins de 'Medicine for Melancholy' é uma profunda tragédia que é contada em olhares de passagem. Rico em imagens evocativas e trocas de propostas, o tratamento dado pelo cineasta à peça de Tarrell Alvin McCraney em Moonlight Black Boys Look Blue ”; é um belo drama que consegue ser épico e discreto.

'Luar' explora a situação de um jovem negro em três épocas, procurando seu lugar no mundo enquanto luta com sua identidade gay sob os encargos da classe e de uma família desfeita. O poder da história vem das lacunas entre as palavras - e de uma batalha contínua para encontrar as corretas. É uma peça de humor surpreendente sobre a natureza de ser marginalizado em vários níveis ao mesmo tempo.

A história do jovem Quíron quando ele cresce e perde a oportunidade de encontrar uma vida satisfatória fica mais desesperada à medida que avança, até que finalmente o garoto se torna homem e tenta uma última chance de acertar as coisas. Apesar do tom sombrio, é um farol de esperança para as perspectivas de se manifestar - e fecha o ano resumindo seu clima instável. Não importa o quão específico seja o cenário, o tom de 'Moonlight' reflete uma mistura de desespero e desejo que define os tempos de nossos problemas.

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